God Save The Queen, la obra de Jamie Reid utilizada por Sex Pistols. La Escuela de Fráncfort y el Situacionismo.
de Jamie Reid, artista anarquista inglés con nexo a la Internacional Situacionista.

Situacionismo y Escuela de Fráncfort. Análisis historiográfico completo (III)

El análisis sobre una obra, más sobre un artista e intentando además relacionarlo con las distintas metodologías historiográficas podría extenderse durante días, por lo que tomando la perspectiva crítica que un día impulsaría a Goya a pintar Los fusilamientos del 3 de mayo o los grabados Los desastres de la guerra (1810-1815), pasaremos a hablar sobre la Escuela de Fráncfort para enlazar con las ideas más importantes del Situacionismo de Guy Debord, las cuales determinaron el surgir de su propio concepto para provocar el cambio y generar arte: el détournement.

La vanguardia no se rinde. Obra détournement del situacionismo. Del artista Asger Jorn.
La vanguardia no se rinde (1962). Del artista situacionista Asger Jorn. El cuadro decorativo apto para cualquier espacio burgués representaba a una niña que va a tomar la comunión. La modificación de Jorn recuerda a la misma que hiciera Duchamp con la Mona Lisa en 1919.

Durante los dos primeros artículos de la serie Análisis Historiográfico Completo hicimos referencia -a través de Los fusilamientos del 3 de mayo (I) y la revolución que supuso el estilo de Goya (II)- a las particularidades de las distintas corrientes de las que el crítico o historiador de arte se había servido a lo largo del tiempo para hacer su trabajo. Un repaso que ha ido desde el método biográfico de Vasari, donde el artista se situaba en el centro del análisis, hasta el método marxista, donde la obra debe servir a un propósito social y no estético.

Índice de contenidos:

Perspectiva crítica. Escuela de Fráncfort

Para la Escuela de Fráncfort la auténtica comunicación era la crítica a la comunicación; la que desvelaba las desigualdades de poder, la exclusión y el control de unos grupos sociales sobre otros. Definían a los medios de comunicación como instrumentos ideológicos y de manipulación.

Sus miembros, herederos del pensamiento marxista, dieron un paso más en algunos de sus conceptos más extendidos. El concepto del ser alienado es uno de ellos, pues tras el paso del individuo explotado y trabajador a individuo moderno con tiempo de ocio, las relaciones de mediación simbólica e ideológica tornarían hacia lo instintivo y espectacular, algo que inevitablemente repercutiría sobre la experiencia artística.

El racionalismo fue la base de su pensamiento, y por ello, los miembros de a Escuela de Fráncfort comenzaron analizando la irracionalidad que hubo en la sociedad alemana durante su adoctrinamiento en el Tercer Reich. Por ello, pasaron rápidamente a estar desencantados con el potencial que veían en los medios de comunicación; por su uso inmoral para manipular a la población con la propaganda nazi. Así se usaron en primera instancia, y en segunda, para el fomento y desarrollo de la sociedad industrial avanzada.

Propaganda antisemita de un trabajador agrícola que patea a un estereotipo de hombre judío sobre una cerca. La leyenda dice: “Exportación alemana: arrojemos al falso bando de los judíos del país alemán” Texto: Enciclopedia del Holocausto. Imagen: United States Holocaust Memorial Museum.

Aunque, por otro lado, el arte podía tener un gran potencial para despertar las conciencias alienadas de todos aquellos individuos reificados:

“de este modo, la gran obra de la teoría crítica trataba, por un lado, de indagar en la sujeción social del ser humano bajo el capitalismo y, por otro, de rescatar aquellos elementos de la Ilustración que, como proyecto de emancipación, aún seguían siendo válidos”

(Rodriguez, 2021: 21).

Industria de la cultura

Theodor Adorno y Max Horkheimer propusieron los conceptos de industria de la cultura y pseudocultura en su obra Dialéctica de la Ilustración (1944), donde criticaron la industria de la cultura por cómo se usaba la razón como un instrumento para someter al hombre y controlarlo. En ella desvelan que la sociedad debía recibir el legado de la ilustración; de que fuésemos capaces de pensar sin ayuda de nadie, de ser críticos, cuestionar las cosas y de combatir con conocimiento la ignorancia. Cabía esperar del arte y la industria cultural grandes cosas al respecto y no todo lo contrario. Exponían ahora la ilustración como un engaño de masas.

adorno y horkheimer perspectiva crítica dialecticas de la ilustracion escuela de frankfort
Dialéctica de la ilustración de Adorno y Horkheimer.

De acuerdo con la emergente sociedad capitalista, la cultura comenzó también a industrializarse y a convertirse en mercancía. No se trataba ya con cosas u objetos, sino con algo más complejo que afectaba a la conciencia de las personas: la ideología enmascarada y presentada como productos culturales, transmisores de ideas, historias o sueños. Así, atacando a la propia razón del individuo, los medios generaban personalidades sin ninguna capacidad crítica, las cuales aceptarían todos los mensajes que la industria cultural encauzara a través de los medios de difusión. Así es como se obtiene la cultura transformada en ideología de la que hablaban Adorno y Horkheimer.

Pseudocultura

La pseudocultura es, a resumidas cuentas, una falsa cultura convertida en cultura de productos. Esa homogeneización produce estereotipos, tanto en los bienes de consumo como en la masa influenciada por ellos, de esta manera, dada su producción masiva, serán más rentables. La sociedad se identifica con esos patrones de consumo (tangibles e intangibles), llegando así a la fetichización de esos bienes.

Manual, obra de PAWEL KUCZYNSKI. Niña con tacones que le vienen grandes. Situacionismo y Escuela de Fráncfort
Manual, de Pawel Kuczynski. Instagram: @pawel_kuczynski1

Rescatamos el concepto de fetichismo de la mercancía de Marx para incorporarlo no solo ya al consumo de productos como excusa a la alienación del obrero en la sociedad industrial, sino para extrapolarlo también al consumo de entretenimiento que, bajo la pseudocultura, crea en la sociedad imaginarios y pautas de comportamiento hedonistas, nihilistas y narcisistas.

Situacionismo

Llegamos así a La sociedad del espectáculo (1967) de Guy Debord, donde la comunicación ya no es más que una comunicación aparente debido a que el espectáculo genera una simulación de la verdadera experiencia real y objetiva. Algo que ha crecido de manera exponencial con internet y el amplio surtido de entretenimiento y de tipos de pantalla para consumirlo. El espectáculo reemplaza la auténtica realidad y el espectador reemplaza la realidad vivida por ese mundo de contemplación donde lo considerado como real es falso.

Según Debord, el sistema consigue mantenernos aletargados en la contemplación y la apariencia sin límites con el propósito de que la sociedad capitalista se siga expandiendo, y que la mercancía se reproduzca y fluya generando riqueza para unos pocos y “derechos” y obligaciones para el resto.

God Save The Queen, la obra de Jamie Reid utilizada por Sex Pistols. La Escuela de Fráncfort y el Situacionismo.
Sex Pistols, God Save the Queen (1977), de Jamie Reid, artista anarquista inglés con nexo a la Internacional Situacionista y a Sex Pistols.

Ante esta preocupación, los artistas del Situacionismo utilizaron su obra como arma de subversión con el propósito de despertar conciencias y provocar cambios, armas que, sin embargo, hoy día campan a sus anchas por los contenidos de la industria de la publicidad o de la comunicación política (aunque eso es otra historia). Hablamos, cómo no, del détournement.

Détournement

Utilizado por los situacionistas como su corpus principal para tergiversar el significado de los iconos de la sociedad de consumo, capitalismo, monarquía, el arte, etc. De un modo parecido en que hicieran los dadaístas, los artistas del Situacionismo extraían los elementos que querían criticar del contexto para el que habían sido creados y los reubicaban en otros (cuanto más alejados de su naturaleza mejor) con el fin de delatar su auténtica función.

Your body is a battleground. Tu cuerpo es un campo de batalla. Obra de Barbara Kruger de 1989
«Tu cuerpo es un campo de batalla» (1989), de Barbara Kruger.

Los situacionistas utilizaron como técnica, entre otras, el collage y el vandalismo de la publicidad. Podemos observar la obra de Barbara Kruger (aunque no fuese francesa) para comprender el détournement. Con su obra Your body is a battleground (Tu cuerpo es un campo de batalla), revelaba los abusos del neocapitalismo más agresivo que ha hecho del cuerpo de la mujer en objeto de los ataques más violentos de la publicidad y de la industria cultural.

Con su Compro luego existo (1987), Kruger reelaboraba la célebre frase cartesiana «Pienso, luego existo» para continuar su crítica a la sociedad de consumo. Artistas que bebieron y beben de los cimientos que asentaron aquellos primeros vanguardistas, y después situacionistas; como Barbara Kruger o el grafitero Banksy, que mezclan significantes de distintas naturalezas para otorgarles otros significados atacando a los estereotipos admitidos por la historia del arte o los medios de comunicación de masas. Los alteran para criticar su naturaleza original capitalista, política, machista, xenófoba, homófoba, etc.

I shop therefore I am. Compro luego existo. Obra de Barbara Kruger de 1987
«Compro luego existo» (1987), de Barbara Kruger.

El objetivo del situacionismo con el détournement era el de reeducar la mirada y resocializar a una población que consideraban por completo estructurada y alienada.

Además, desarrollaron otras actividades con la misma intención de hacernos reflexionar, como la deriva, que consistía en ir como un flâneur (un deambulante, sin rumbo), recorriendo las calles con el fin de hacernos salir de la rutina diaria, pensar, y ver la ciudad con otro punto de vista. Con el détournement los artistas recreaban iconos de la cultura espectacular, consumista y política (el arte pop haría algo similar) con la intención de invitar a la reflexión a través de su humor y su ironía.

“Con el Pop, Andy Warhol y Robert Rauschenberg extraerán materiales gráficos de los medios de comunicación […] para utilizarlos como materiales de trabajo que permitirán desenmascarar un orden visual basado en la economía de consumo y la sociedad del espectáculo. El propio Debord proponía la idea de détournement, es decir, el secuestro de imágenes dominantes para la confección de contra-mensajes no subordinados al establishment visual”

(Fontcuberta, 2016: 57).
Dylaby (1962), de Robert Rauschenberg.

Robert Rauschenberg, un hombre a caballo entre el expresionismo abstracto y el pop-art, el contexto de dos épocas que determinarían su obra en primera instancia, y en segunda, que sería determinante para la producción de artistas pop como Andy Warhol. El arte de Rauschenberg estaba hecho de las sobras provenientes del exceso de la sociedad de consumo. En un principio se lo denominó neodadaísta, pues también mezclaba collage, pintura o escultura. Hasta borró dibujos, convirtiendo en performance uno de Willem De Kooning, el Dibujo de De Kooning Borrado (1953) demostrando a todos que un lienzo en blanco podía convertirse en arte conceptual.

IV: Walter Benjamin y Roland Barthes

Hemos usado este artículo para entender la concepción y los usos que debería tener el arte; desde la perspectiva crítica de la Escuela de Frankfurt hasta el Situacionismo y su particular hacer para crear mensajes subversivos con el détournement. Corrientes que, tanto en el objetivo de exprimir el poder revolucionario del arte como en su concepción, creación e interpretación, condicionarían el surgir de nuevos artistas.

Desde la emancipación del artista o la visión clásica más formalista o positivista, se han ido dando todo un cúmulo de hechos históricos que, en suma, llegan a determinar hoy la aparición de movimientos en los que puede considerarse como arte cualquier cosa, y donde se han superado las visiones clásicas y deterministas de la historiografía artística.

La postfotografía, en su significante, heredera del apropiacionismo de artistas del Dadaísmo, Situacionismo o movimiento Pop, y en su significado, heredera de la naturaleza activista y por tanto descubridora de los aspectos más podridos de nuestra sociedad, es hoy, un claro ejemplo del culmen de ese largo recorrido histórico.

Suns from Flickr (2006) de Penelope Umbrico. Obra Postfotográfica
Suns from Flickr (2006) de Penelope Umbrico es una obra postfotográfica. La artista reflexionaba sobre el big data y la contaminación icónica exponiendo 540.000 imágenes descargadas de Flikr de puestas de sol en una sala de exposiciones.

Allanado queda el terreno para el que será el último artículo de la serie, donde exploraremos las teorías de Walter Benjamin y Roland Barthes, que tratarán la originalidad de la obra de arte y el nuevo enfoque de análisis que aportará el posestructuralismo.

Análisis historiográfico completo I y II:

Artículos de tu interés:

Bibliografía:

  • ADORNO, T. y HORKHEIMER, M.  (1998). Dialécticas de la Ilustración. Madrid: Editorial Trotta. Primera edición (1944).
  • AGUADO, J.M. (2004). Introducción a las Teorías de la Comunicación y la Información. Murcia, DM.
  • Campàs, J. (2019). La construcción del conocimiento en historia del arte. Barcelona: UOC.
  • DEBORD, G. (2015). La sociedad del espectáculo. Valencia: Pre-textos. Primera edición (1967).
  • FONTCUBERTA, J. (2016). La furia de las imágenes. Primera edición. Barcelona: Galaxia Guntenberg.
  • RODRIGO ALSINA, M. (2001). Teorías de la comunicación. Ámbitos, métodos y perspectivas. Bellaterra, Aldea Global.
  • Rodríguez Granell, A. (2019). Arte y política. Walter Benjamin, Max Horkheimer, Theodor W. Adorno y Jürgen Habermas. Barcelona: UOC.